Muchos estudiantes de bachiller pueden considerar el arte entre sus opciones de capacitación profesional. A forma de orientación vocacional, el énfasis de esta conferencia es presentar algunas alternativas para estudiar una licenciatura en arte -artes visuales, video, diseño, artes digitales-. ¿Qué es el arte, qué se entiende por arte y cultura?, ¿por qué estudiar una carrera en artes?, ¿cuál es la situación que permite que quien tiene esta vocación logre el apoyo para convertirla en su profesión? El arte no es sólo creatividad, también es estrategia y promoción. El video presenta aproximadamente la mitad de una conferencia que Iris Atma (Ra’al Ki Victorieux) imparte a los estudiantes de TecMilenio en la Ciudad de México. En esta experiencia, ella responde a las preguntas de los alumnos en relación con qué tipo de artista es, que ha estudiado de arte y dónde -pintura, cine-. También habla de: La teoría del arte -crítica, estética, historia-, que pueden ser alternativas de formación profesional. La posibilidad de estudiar o trabajar fuera del país. El performance y los nuevos medios digitales.
Transcripción:
Hoy tendremos una conferencia de Artes Visuales.
Para los que están más vinculados con esa área, queríamos no dejar pasar que tuvieran más información. Ya ven que regularmente las exposiciones nos la traen la Galería Garros y hoy nos facilitaron el contacto con una de las artistas que participan en la galería.
Su currículo es bastante extenso, ella es Iris Atma, que es su nombre artístico. Es artista de consciencia, estudio en La Esmeralda, con diversos maestros de artes visuales y espirituales. Es crítica de arte; ha publicado varios libros en la red, de forma independiente y con apoyo de becas de Investigación del Patrimonio Cultural. Es diseñadora de moda, creación de vestuario para performance, productora cultual independiente, con estudios en procuración de fondos y administració n municipal. Sus áreas de especializació n son: artes visuales, video, performance, arte acción, arte de la red, fotografía, pintura, instalación, ensamblaje, arte sonoro, crítica de arte, periodismo cultural, diseño de modas, entre otros. Como verán, tenemos el honor de tener con nosotros a una artista de bastante experiencia en su área, les pido que la recibamos con un fuerte aplauso.
(aplausos)
* 1 – ¿Estudiar Arte?
Gracias a todos. Me invitaron, me hizo favor Alejandra Cerón de invitarnos a conversar acerca de temas de arte y diseño para aquellos que esten interesados en encaminarse a estas áreas en su desarrollo profesional.
El primer tema corto del que les quiero hablar es ¿Qué es el arte, o qué se entiende por arte o por qué hay tantas definiciones de arte o de cultura? De alguna manera se dice que cultura es todo aquello que es creado por el hombre en oposición a la naturaleza; que son los árboles, los pájaros, los paisajes, y todo lo que es creado por el hombre o el conocimiento, ya sea el lenguaje, el diseño industrial, todo lo que se puede estudiar en las distintas profesiones -no solamente las de ciencias sociales- es parte de la cultura. Y hay muchas de las carreras profesionales que se enfocan a satisfacer necesidades básicas. Las ingenierías que nos ayudan a poder utilizar todas las materias primas y generar los satisfactores que necesitamos como alimento o vestido, que serían como las cosas aplicadas o tecnológicas. Por supuesto las ciencias. Y las artes que ocupan un área de las ciencias sociales o de las humanidades que muchas veces tienen que ver con lo espiritual, no siempre, y que tienen mucho que ver con el desarrollo de lo estético, de la cultura estética o de lo simbólico.
Un artista es alguien que a veces le dicen loco o que le dicen:
-«¿Por qué vas a estudiar arte si eso no es una carrera seria? Tal vez arquitectura, o diseño gráfico o ciencias de la comunicación» . Son carreras que según los padres de familia, que aparte van a hacer una inversión en la carrera, tienen un área de trabajo donde sea más garantizado que tengan un ingreso si consiguen un trabajo. Pero otras áreas como música, teatro, danza o pintura, en muchas sociedades se considera que te vas a morir de hambre, porque el artista no tiene garantizado tener un empleo de ocho horas diarias con un sueldo. Parte de eso es verdad, hay artistas, por ejemplo en la época de Van Gogh, ustedes saben que él tuvo la gracia de contar con el apoyo de su hermano, y mucha de su obra se vende muy bien pero hasta después de la muerte de Van Gogh. En la actualidad las cosas han cambiado. Muchos de los artistas viajan por todo el mundo, hablando de pintores, o de gente que hace instalación o video, tienen que estar conectados a la red de redes, estar pidiendo becas o financiamientos a distintas instituciones culturales, y aunque no tenga un trabajo de ocho a ocho, sí tiene que generar una red de contactos con las instituciones, con las instituciones no lucrativas, con los museos, con los mecenas. Así como lo hacía Leonardo en el Renacimiento. O sea; acercarse a aquellos que tienen los presupuestos y la vocación de apoyar a las artes cuando uno tiene la intención de ser artista y crear arte. No es como conseguir un trabajo de ocho a ocho, pero sí se trabaja en la gestión de recursos para hacer entonces lo que uno quiere hacer en términos artísticos.
Ahora que estuvo esta crisis que de la que todo mundo ha estado hablando, que fue una crisis internacional que afectó a las subastas en Schrisotheby’ s, Christie’s, uno de mis magos tiene una galería en Arizona, y llegaban sus amigos que tenían una tienda de ropa por ejemplo, y le decían.
– Es que ahora es más difícil vender ropa
Y él les contestaba:
-Ahora es más difícil vender performance sobre el deseo.
Todo es vendible, aún cuando lo que haces es una acción efímera como el performance, una colección de ropa, un monólogo teatral, y estamos en una época donde muchos de los creadores que logran vender su obra, que logran posicionarse y vivir bien de su trabajo artístico. Claro que tienen que pasar por un aprendizaje profesional y después tienen que ser hábiles en lo que son las relaciones públicas para entonces lograr que su propuesta sea validada por ese sistema artístico; que esta conformado por esos centros culturales, museos, universidades, organizaciones, coleccionistas, críticos de arte y todo lo demás.
Hay como muchas estrategias para promover el arte. Muchas personas ven el arte con una visión no tan marketing y más romántica. Tal vez es la visión que nos venden en las películas de «Voy a ser artista, entonces la melancolía y la poesía, y voy a llevar mi caballete a la orilla del lago». Podría estar bien si en realidad quieres solazarte con tus rentas y dedicar tu tiempo libre a contemplar la naturaleza, lo que es muy agradable. Pero si en realidad quieres hacer de eso una profesión debes buscar la forma de insertarlo en el sistema y eso a través de ser consciente de las estructuras de ese sistema.
Dentro de ese gran sistema una de mis quejas o deseos sería que la educación artística de preparatoria, de secundaria, de primaria, no se diera sólo a partir de lo clásico o de los muralistas, sino que se diera a partir del arte contemporáneo, que los estudiantes de primaria, secundaria y preparatoria tuvieran como parte de su formación básica una formación estética y un conocimiento de los protagonistas vivos de la cultura, de las artes visuales, de la danza, del teatro.
Tú le preguntas a cualquier persona saliendo de preparatoria o incluso de universidad -¿qué artistas vivos conoce? y generalmente te hablan de Rivera, de Van Gogh para atrás y recordemos que Van Gogh es de finales del siglo XIX, Rivera es de mediados del siglo XX y que estamos en la primera parte del XXI. Entonces, artistas exitosos, internacionales que hoy por hoy están produciendo obra, si no se los dan como parte de su formación, yo realmente los quiero motivar a que esta enorme tecnología, y esta enorme ventaja que tienen como generación joven que es la red, que es youtube, flickr, twitter, facebook, que aprovechen estas redes para informarse, -si tienen un interés vocacional en las artes- quiénes son aquellos que son los líderes en esas áreas, vivos, no de hace cincuenta ni cien años. Con todo el respeto a la historia, porque por supuesto que de no tener esa historia no tendríamos muchos buenos artistas contemporáneos. Pero sí creo que es una de las cosas que hay que generar que ojalá en algunos años si se implemente en la formación estética básica el conocimiento de los artistas actuales.
Dentro de estos artistas actuales podríamos dividirlos en tres términos. Uno es el hegemónico, el otro el emergente, y el otro el residual. El residual son los que pintan patitos, paisajes de bugambilias, retratos, posiblemente venden en los jardines del arte y no tienen ninguna pretensión o tampoco muchas esperanzas por la falta de calidad o propuesta de su obra, de ser validados por el sistema artístico, tienen todo el derecho de pintar, pero su obra no va a tener el requerimiento cualitativo para renovar y enriquecer el sistema, por lo tanto el sistema no lo va a integrar ni documentar ni reconocer en ningún momento como trascendente. Los artistas emergentes son aquellos jóvenes que empezando o en los primeros años de su carrera se ponen la pila, aprenden lo que tengan que aprender, en cuánto a técnica, en cuánto a qué temáticas vale la pena darle a la sociedad, qué discursos es importante ver desde una perspectiva innovadora, qué obras están o puedo poner de moda, y además responden a necesidades culturales. Entonces, tal vez nadie los conoce, pero están haciendo algo tan interesante, con tal compromiso y tal calidad que en algún momento van a ser reconocidos. Tienen la calidad y la cualidad pero aún no han tenido el éxito o el reconocimiento de las estructuras de poder de la sociedad cultural. Esos artistas son los que vale la pena seguirles el camino, ver qué están haciendo, qué propuestas tienen, en qué se están nutriendo, a dónde van y esos son los emergentes. Los hegemónicos son aquellos artistas quienes vivos, viven muy bien de lo que hacen y ya tienen el reconocimiento o de los medios de comunicación, o de la crítica especializada, o del sistema de galerías o de coleccionistas o de los gobiernos de los distintos países.
Hasta ahí una presentación a grandes rasgos de qué es el arte como un área de las humanidades en la cultura, y no sé si tengan una pregunta o comentario.
– ¿Tú qué tipo de artista eres; hegemónico, residual?
Gracias. Yo quisiera pensar que soy hegemónica, que las obras que estoy generando tienen la calidad suficiente. He expuesto en algunos lugares reconocidos, este año expuse en el museo de Hacienda que está en el Centro Histórico. Estuve en una galería de Alemania, de Düsseldorf como parte de una colectiva que organizó un curador brasileiro que se llamó American Kinetics o los movimientos latinoamericanos de políticas sociales a través del performance y del video. Mi obra esta documentada por ARCO DATA Latinoamerica, que es una base de datos de artistas latinoamericanos se hizo como parte de la feria de arte de España que se llama ARCO. Fui parte de AICA México, estoy en proceso de ser parte de la Open Section de AICA, que es la Asociación Internacional de Críticos de Arte que tiene sede en París, Francia. Tengo 20 años de carrera, más de 30 individuales, muchas colectivas. Trabajo mucho actualmente para la red. Uno de mis principales intereses es abordar la temática social; los derechos de las mujeres, abogar por la diversidad sexual, por la libertad de expresión, por el rescate de las lenguas muertas como el náhualt. También trabajo mucho sobre lo que es el Tarot o la espiritualidad en el arte.
– Estando en la Esmeralda; ¿estudiaste artes plásticas o artes visuales?, y ¿en qué te basas más: pintura, fotografía, escultura?
Gracias. Entré a la Esmeralda en el 91, estuve tres años; del 91 al 94, La Esmeralda estaba todavía en la colonia Guerrero. Es la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» del INBA, es una de las dos universidades públicas en artes visuales que hay en México, la otra es San Carlos que está por Xochimilco, la ENAP que depende de la UNAM y la Esmeralda que depende del INBA. Hay muchas otras universidades en artes visuales; privadas o públicas como la universidad de Xalapa. Cada vez hay más estados que están abriendo carreras profesionales en artes. Ahí puedes estudiar pintura, escultura, grabado. Te dan un tronco común, entonces aprendes un poquito de todo, yo escogí pintura, aprendí de modelado en barro, de vaciado en yeso como parte de escultura. En grabado: grabado en madera, en linóleo. En pintura trabajas mucho con modelo desnudo, al menos cuando yo estaba, había mucha influencia del taller de modelo vivo, y teníamos muchos modelos; jóvenes hombres, jóvenes mujeres, señoras, señores, ancianos, y cuatro horas diarias de modelo vivo.
De una u otra forma, ese como morbo general que tiene todo mundo frente al cuerpo humano, acabas por perderlo al primer año. Porque si hay como un cosquilleo de: «míralo el señor está encuerado, gua gua», cuatro horas diarias durante un año, acabas por reconocer la textura, el color de la piel, la forma de un cuerpo en el espacio, cómo este cuerpo juega con la luz, con qué estilo de dibujo, con qué manejo de color lo vas a representar, con qué materiales, y trasciendes la idea de que es un cuerpo desnudo y se quita un poco el morbo. Porque también esta este prejuicio de que «todos artistas son unos degenerados que se la pasan viendo encuerados, pintando encuerados y hablando de encuerados». Sí, se convierte en un elemento visual, es un elemento más, como una manzana y no es tanto si es un señor de 60 años desnudo. Me parecía muy interesante un modelo que se llamaba Melchor, que ha sido muy retratado en fotografía, pintura, escultura, por muchas generaciones de La Esmeralda, y respeto mucho el trabajo de los modelos, porque estar cuatro horas casi quieto, o dos, y cambiate, independientemente del clima. Melchor era muy interesante, era uno de estos modelos locos, de mucha edad y con mucho carácter. Cuando tienes un modelo que además de brindarte la posibilidad de observarlo…
Porque mucho de las artes visuales es aprender a contemplar, aprender a ver, o sea, tú crees que ves la silla pero no estás viendo la silla. Estas viendo lo que crees en tu cabeza o el símbolo de tu cabeza de lo que es una silla, pero ¿en realidad te has pasado cuatro horas viendo una silla y tratando de reproducir el detalle de cada sombra, de cada luz, de identificarte emocionalmente con la silla, de saber qué puedes contar a través de ese objeto o a través de la forma en la que lo retrates? A mi me pareció muy interesante el ejercicio de la técnica, y poco a poco me fui acercando hacia lo escénico -porque hago performance- y hacia el video, también estudié cine, que me facilitó documentar las acciones. Mi performance tiene una fuerte influencia de lo visual, porque mi formación básica es como pintora. Hay muchos performers que parten de las escuelas de teatro, y entonces sus propuestas son más ricas en el sentido de textos dramáticos o las cosas que ellos que traen como profesión. En mi caso soy muy visual, me gusta mucho el cómic, la moda, genero distintos personajes, uso muchos colores brillantes, y trabajo el video para documentar estas propuestas escénicas o de performance.
– ¿Dónde estudiaste cine?
Estudie cine en el INDIe, es una escuela que esta hacia Xochimilco. Es una escuela privada de cine. El director hizo una película sobre Malverde y el maestro de guión que es Michael Rowe, acaba de ganar la Cámara de Oro en Cannes este año, por su película que se llama «Año bisiesto». Es muy buena escuela, afortunadamente tuvimos un muy buen maestro de guión que ahora es premiado en Cannes.
– ¿Has trabajado en cine?
No, no he trabajado directamente en cine. Como parte de la escuela generalmente haces un cortometraje con todos los del salón. Hay una votación entre maestros y alumnos para ver quién puede escribir mejor un guión y ser el director. En ese caso la directora fue una chica que ahorita no me acuerdo el nombre. A mi me tocó ser la fotógrafa de ese corto y hacer el story board por esa formación visual que traía de antemano. Otros habían trabajado antes en televisión, o haciendo vídeos para comerciales o para políticos y ellos estaban más en las áreas de producción o de cámara.
Entonces; hasta ahí cerramos este tema.
* 2 -Teoría y Tránsito
El siguiente tema del que les quiero hablar es sobre la teoría. Probablemente algunos de ustedes no quieren ser artistas pero quieren ser teóricos. Quieren estudiar historia del arte, o quieren estudiar crítica del arte o curaduría, ya sea en México o saliendo al extranjero. ¿Cuál es la diferencia entre un historiador y un crítico?, o entre un estetólogo y un semiótico. ¿Por qué tiene una validez y una importancia la historia del arte?
Yo les quiero pedir que levanten la mano aquellos que tengan algún interés en la teoría del arte. Uno, dos, tres, cuatro, son poquitos, podemos preguntar.
– ¿Qué área te interesa? Allá atrás.
– Ciencias de la Comunicación.
– ¿Y aquí?
– Artes Visuales. Cine.
– ¿Aquí había otra mano?
– Artes Visuales.
– Creo que ninguno dijo «quiero ser historiador, o quiero ser crítico.
(risas)
Hay una fundación que pueden buscar en internet, que se llama la Fundación Getty, son cosas que pueden buscar fácilmente, la fundación Getty tiene una propuesta pedagógica para las artes que habla de una parte de práctica y tres de teoría. Según la Fundación Getty si todas las personas tienen en la educación básica -primaria- conocimiento básico de historia, estética, y crítica de las artes además de poder pintar, bailar o danzar o cantar. Entonces la formación es mucho más integral. Porque la historia te facilita no pensar que estás descubriendo el hilo negro cuando eso ya se dio. Si tú conoces la historia y sabes los movimientos que han pasado y cuáles son sus propuestas, tienes la ventaja de que no tienes que repetirlo y tampoco vas a creer ingenuamente que estas haciendo algo nuevo cuando es algo que ya ha sido recorrido y vuelto a recorrer y vuelto a renovar.
Ahora que si uno es historiador, uno se dedica -aunque eso ya fue hecho- a tratar de ver ese pasado con ojos nuevos. Por ejemplo el historiador que dice: -«sí, hay muchos libros sobremuralismo, pero ahora voy a ver el muralismo no desde los tres grandes, sino desde las amigas y las modelos de los tres grandes». O los primeros que empezaron a hablar del arte de las mujeres, porque no se historiaba, porque no se validaba lo que hacían las mujeres en el arte, entonces alguien dijo «No puede ser posible que nunca hayan habido artistas» ,entonces se puso a buscar y encontró que sí había pero los historiadores las habían pasado por alto, entonces empezaron a hacer este rescate histórico por género. O alguien que dijo: -«la historia es la historia de las guerras mundiales o de un país contra otro, ¿por qué no hacer la historia de las cultura y de las costumbres?» Eso empezó desde la ilustración. Y cada vez alguien se le puede ocurrir, de repente alguien dijo: «no, la historia no es lineal, es relativa», o «podemos averiguar cómo se ha transformado el deseo o cómo se ha transformado el erotismo o la forma de entender la paternidad o la masculinidad o la infancia a través de un análisis de las artes de todos los tiempo sobre esas temáticas. Y un historiador puede darse el lujo de hacer eso: De elegir nuevas formas de ver y enseñar a otros a ver eso que acaba de descubrir. Es como alguien que renueva el pasado; renueva la forma de ver lo que ya esta visto.
En cambio el crítico es el que le apuesta al presente y al futuro. El crítico es un poco como un Nostradamus. Este va a las galerías, lee los periódicos, las revistas especializadas de arte, esta en contacto tal vez a través de la red, o del cine o de su vida cotidiana con lo que se está haciendo. Es el que ve a los artistas hegemónicos y se sabe los emergentes, los que quieren salir, y él dice «estos son los que vienen» y le apuesta a una nueva generación de… Por ejemplo, cuando Cuevas era joven dijo «Nosotros somos la Ruptura y los muralistas ya están muertos». Generalmente las generaciones jóvenes se pelean un poco con la generación anterior porque están defendiendo su espacio, y buscan el apoyo de los críticos para que validen estas propuestas nuevas. Y el crítico no sabe si este artista joven que tiene un potencial y que probablemente tenga un futuro, en realidad lo va a tener o dentro de tres días ya se accidentó o ya no quiso pintar, o se casó o se deprimió o se puso de taxista o a vender ropa. El crítico le apuesta al futuro a partir de las potencialidades que ve en el mundo contemporáneo. Y es el que también le permite a sus lectores -generalmente el crítico pública en revistas, periódicos, libros especializados- es el que le permite a las sociedades un mayor grado de comprensión del arte de su momento. Por ejemplo en Oaxaca hay como un cliché de que después de Toledo todo se volvió pintar animales que vuelan, cuadros llenos de textura con arena, grillos y ranas, como toda la influencia de Toledo. Y hubo un crítico que ya falleció, que dejó una obra sobre el arte oaxaqueño, que se llama «La Maquina de Utopías», este crítico se llamaba Robert Valerio. Y realmente presenta a los artistas contemporáneos de Oaxaca no sólo desde el análisis de su obra, sino también desde el análisis de los libros de comentarios de los museos; ¿qué decía la gente al ir a ver esas exposiciones y cómo eso permitía entender esas obras y ese momento social?
Cuando alguien es más hacia la filosofía y hacia desglosar simbólicamente los mensajes que se dan a través de las obras, podemos hablar de un semiólogo como Humberto Chavez Mayol. Humberto Chavez no solamente analiza la obra sino que desglosa los mensajes simbólicos que están contenidos en esta. Y eso ya tiene mucho que ver con la filosofía porque ya es un campo de la estética. La estética como la parte de las ciencias sociales y de la filosofía que busca las diversas cualidades estéticas no sólo la belleza. Porque también hay otro cliché de que «El arte tiene que ser bonito». Ese cliché ha sido rebasado y superado pero sigue existiendo en muchas personas que si ven algo grotesco dicen -«No eso lo hace un niño, ¿cómo puede ser eso arte?» Precisamente el arte permite hablar de la sensibilidad y la emotividad y así como a veces podemos sentir bonito, a veces podemos sentir feo, y el arte tiene la posibilidad, el derecho y el deber de retratar todo el abanico de las cualidades estéticas o emotivas y no solamente centrarse en la belleza. Entonces puede hablar sobre lo sublime o lo cotidiano, sobre la belleza o la fealdad, lo cómico tanto como lo trágico.
El uso del lenguaje; -yo no sé cómo andan de ortografía-, pero para mi es muy importante el respeto al lenguaje, a la gramática, la redacción. Porque tu mundo es tan amplio como lo es tu lenguaje. Y tu mundo es tan claro y tan ordenado como tú tienes el respeto a ese lenguaje. Si tu respetas aquello que te permite interpretar el mundo, respetas tu lengua, sabes escribirla, sabes redactar, sabes usar el acento; estas respetando tu forma de ver y de comunicarte con, y si además aprendes más sobre eso, expandes tu mundo y tu consciencia. En realidad pensar sobre el arte es tan importante como hacer arte.
Y cada vez más, sobre todo a partir de Marcel Duchamp, que no era un pintor, que fue a una tienda y compró un urinario y lo puso en un museo, y lo único que hizo fue en vez de comprar un urinario y llevarlo un baño, lo llevo a una galería y lo firmo, lo puso un poquito al revés sobre una base de escultura y dijo «esta es mi obra». Y fue el inicio de las artes conceptuales y no fue una ocurrencia. Cuando el arte deja de ser un objeto. Al inaugurar las artes conceptuales estamos inaugurando las artes no-objetuales, es decir estamos dejando de validar el objeto artístico y validamos más los procesos que se derivan a partir de la inserción de ese objeto en el sistema. El arte no es el objeto, sino que el objeto es catalizador de estos procesos y esos procesos son el arte. Y por eso decimos que son artes conceptuales o no-objetuales. No porque no usen objetos, sino porque el objeto no es la finalidad, es un medio para generar un debate y una discusión acerca del momento contemporáneo y de qué es o qué no es el arte. Que es lo que Duchamp hizo. Duchamp planteó muchas preguntas con un urinario en un museo a inicios del siglo pasado, que eran: «¿por qué tengo que pintar para hacer una obra?, ¿qué es la obra, la cosa o el proceso?»
Yo creo más en los procesos y cada vez más los artistas contemporáneos creemos más en los procesos. Si bien ha habido a lo largo del siglo XX un movimiento que se hablo de la muerte del arte o del divorcio de las artes con sus sociedades precisamente por esa falta de elementos en las educaciones básica para que las sociedades pudieran ir al museo y se sentirse cómodos y no ver las obras como entes raros. Cada vez más los artistas están buscando más alternativas de arte social o activista o arte de la red que involucran y establecen puentes y que tienen más que ver con los procesos que con los objetos; y para eso es necesario la teoría.
Porque es muy triste cuando vas a ver una muestra de arte-no objetual o de performance y lo que ves son ocurrencias y batideros donde el «cliché» es de que para ser performance te tienes que encuerar y embarrar de cera, sangre o de cualquier líquido viscoso. (Risas). Y en realidad eso ya se hizo muchísimo, lo hicieron muy bien los artistas vieneses, se hizo en algún momento de la historia, ya no es novedoso, y si vamos a respetar una acción que se esta insertando como proceso en el momento actual, es porque esa acción al final del día va a tener un discurso que sí me va a decir algo.
Hasta ahí sobre la teoría no sé si alguien quiere preguntar, comentar algo en específico sobre teoría.
– Dices que esto se puede desarrollar tanto en este como en otros países, basado en esto ¿qué tan fácil o difícil es salir del país?
El tema de los migrantes o del tránsito es un tema muy de moda en el arte contemporáneo. Raquel Tibol desde los años cincuenta decía: ¿Tú quieres conocer a los mejores artistas latinoamericanos? No los busques en Latinoamérica, búscalos en Nueva York, en Berlín, en Japón. Alguien que también hablaba de esas fronteras y de la necesidad de cruzar esas fronteras, de impulsar esos tránsitos, fue Cuevas. Él decía, por alguna razón, después de los muralistas, sí claro, era necesario reconocer nuestra historia después de haber sido un país españolizado o afrancesado, era necesario valorar la raíz indígena, sin embargo también es necesario volvernos ciudadanos del mundo. No solamente mexicanos sino también latinos, iberoamericanos, del mundo. Cada vez más con la red se habla del tránsito y hay muchos artistas que trabajan el tema.
La Secretaría de Relaciones Exteriores tiene becas. Las embajadas tienen becas. Muchas organizaciones culturales internacionales o por ejemplo escuelas de idiomas como el IFAL para el francés y para Francia o el Goethe para la lengua alemana o becas hacia países de esa zona. Hay información y hay procesos con los que uno puede estar informado y relacionarse. El Conaculta tiene residencias para Colombia y para varios países, ahorita no tengo frescos todos. El Banff Center en Canadá abre cada año residencias. «Residencias artísticas» pónganlo en google, los que hablen inglés pónganlo en inglés «art residency». Hay muchas oportunidades. En algunos lugares, tú mandas tu carpeta de obra, puede ser que te pidan video, textos teóricos, pintura, o puede ser basado en moda, depende en qué área estés trabajando y si llegas a ganar, te dan los pasajes, un taller donde puedes trabajar un tiempo. La ventaja de una residencia es que mientras estás en ese otro país, por ejemplo en el Banff Center, estas conociendo todos los artistas que vienen de todas partes del mundo, es un proceso muy enriquecedor, te nutres de todas esas personas que vienen de diferentes culturas. La organización al final organiza una exposición, luego te regresas con esa experiencia a tu país de origen, pero regresas enriquecido.
A mi me tocó ir a Eslovaquia a una residencia de quince días en un castillo. La Europa Oriental tuvo estos procesos donde después de ser monarquía fueron como la parte un poco socialista o de izquierda de la Europa, y después que cayó el muro de Berlín muchos de los castillos que después de la monarquía habían sido escuelas o universidades, ahora son entre hoteles y centros culturales, ellos eran nuestros anfitriones en Mojvírovce, y había gente de Canadá, de Estados Unidos, de Grecia. Es una experiencia muy interesante. Al final muchas veces te piden que dones algo de la obra. Yo deje algunos de los cuadros en las instalaciones en el castillo. Es interesante, es posible y sobre todo hay que fomentar eso. Una amiga mía está becada en la Sorbona, estudiando sociología que es un de las humanidades, de las ciencias sociales. Terminó la primer carrera becada en la Sorbona trabajando en una organización en París que apoya a Chiapas y logró tener una segunda beca para una segunda carrera. Muchas veces si tienes un buen promedio en licenciatura puedes aplicar para una maestría en humanidades que puede ser hacia las artes.
Los países que tienen economías más boyantes que las latinoamericanas. Por ejemplo si tú en México, por ejemplo, Lars, unos amigos que tienen una revista en Internet. Ellos hacen cada año o cada dos años, encuentros académicos internacionales en México, y lo que hacen es que tienen buenos contactos a través de internet, invitan a buenos académicos y las instituciones de sus países les pagan sus boletos, hospedaje, ellos lo único que hacen es coordinar. Hay muchas cosas que es posible hacer sólo con creer que es posible y a través de la red. Sería como un impulso y motivación a que busquen esos enlaces.
– ¿Qué es lo más difícil para hacer performance?
Una vez di un taller de pintura y llego un señor, y me dijo: -«yo lo que quiero saber es cómo pintar arbolitos, porque a mí no me salen bien los arbolitos, es que yo pinto el tronco y luego pinto las hojitas y como que no me gusta cómo me quedan los arbolitos.» Entonces yo le contesté que con todo respeto yo no le podía enseñar a pintar arbolitos, -no porque no supiera pintar arbolitos-, sino porque el objetivo del curso era aprender a pensar sobre el arte de una forma integral.
Yo creo mucho en el enfoque de la Getty Fundation, de que para poder ser bueno en cuanto a la técnica… Si nada más eres un buen técnico, eres casi un pintor de brocha gorda -por muy bien que te salgan los arbolitos-. Tiene que haber un contenido, un algo en tu cabeza, un algo en tu vida, un algo en tu corazón, un algo en tu alma, un algo en ti, que use esos arbolitos como medio, y no que tu fin sean los arbolitos. Entonces si tu tienes algo muy importante que contar y vas a usar el performance como medio, puede que valga la pena. Y además te entrenaste o en danza o usaste proyecciones, o en vestuario o en algo que enriquezca técnicamente o visualmente tu acción, pero principalmente tienes algo que decir.
Es un poco cruel pero muchos literatos dicen, bueno; para escribir un buen libro ¿qué se necesita? leer muchos libros. Para pintar algo que valga la pena ver mucha pintura. Para hacer un buen performance, empapare de performance, ve vídeos de performance, averigua las biografías. Y no quieras ser artista sabiendo sólo de arte; lee las noticias, enterare sobre ti, sobre tu familia, sobre el mundo, porque si sólo sabes de arte y tu mundo va a ser así (hace un gesto de pequeño y encerrado con las manos) tu mensaje va a ser así (pequeño).
No es tan fácil como decirte «ah, sí, claro, para hacer un buen performance te paras a las ocho de la mañana, te tomas un café», (risas), ¿si me explico?, no hay una receta. Es el resultado de un proceso de vida. Es como si alguien me dijera: -«¿Cómo llego a la iluminación?» Me gustan esas paradojas porque respeto mucho a los budas, me gustan mucho sus libros, me dan mucha calma y mucho piso cuando de repente siento que lo pierdo. Porque a veces el arte es un poco caótico, y el hecho de tener estos guías espirituales como los budas te dan un poco de piso. También creo mucho en Jodorowsky que él dice: -Bueno, si el arte sirve para algo, no tanto para decir «soy el mejor artista», o «mi obra es la más importante», o «va a hablar de mi tal crítico o tal galería», sino: «mi arte esta ayudando a sanar la sociedad, mi arte esta ayudando aunque sea en un granito de arena a hacer un mundo mejor», «mi mensaje es de luz, mi mensaje es un servicio a través del arte». Creo en esa visión que tiene Jodorowsky del servicio a través del arte, de sanar a través del arte. Si esta es mi vocación, que no sirva sólo para elevar mi ego, que sirva para dejar el mundo un poquito mejor, desde la humildad y las posibilidades que yo tenga.
Si es un poco como lo que decían los Budas. Bueno, tú me decías: -¿Cómo ser un buen artista? El discípulo le decía la Buda: -¿Cómo obtener la iluminación? El buda le metió la cabeza en el agua, y el otro no podía respirar y no lo sacaba y manoteaba y manoteaba, ya por fin lo sacó y le dijo: -«Cuando desees la iluminación tanto como deseabas el aire». Eso es; ¿cuánta gente empieza a ser artista y a los tres años se da por vencido, o a los cinco, o es artista de domingo? Es como decir «voy a aprender inglés y estudias una vez un mes y otra vez dentro de cinco meses y dentro de cinco años no sabes hablar inglés. Entonces; si realmente lo deseas como deseas el aire, si realmente te aplicas.
-¿Tú crees que si en el arte contemporáneo los medios digitales pueden ser considerados como arte o como productores de arte?
Sin ninguna duda. Absolutamente. Se llamaban artes icónicas desde las perspectiva de Juan Acha. Juan Acha es un crítico de arte latinoamericano que nació en Perú, vivió muchos años en México. Es uno de los pioneros de la crítica desde un enfoque sociologista, él es muy racional y establece un cuadro sinóptico, digamos, un diagrama de todas las ramas y géneros artísticos, y uno de los géneros que él incluía, lo decía en los 70, hace 40, casi 50 años: «En el futuro hace lo que ahorita hacen en las discotecas que son juegos de luz, videoclips, van a ser formas de arte». También Acha decía: «En el futuro, los mismos textos teóricos pueden ser obras de arte», porque un texto teórico puede ser considerado una obra si esta escrito con cierta cualidad y generando ciertas ondas y consecuencias en el medio.
Es lo que empezó a pasar; los vjs y djs, las muchas páginas donde toda la obra es la programación y las luces. En Europa ha habido muchos eventos públicos de arte a partír de luz, que son proyecciones de video sobre edificios públicos. Muchos artistas de arte público lo que hacen es con estos espectaculares que ponen letreros y que van cambiando, ponen como frases de filosofía, un poco lo que se hacía con el graffiti pero ahora con la posibilidad que te da la electricidad. Los artistas de la luz son maravillosos, que generan cascadas en puentes, o que en puentes peatonales hacen nada más construcciones de luz. Ha habido muchas cosas que parten de lo electrónico o lo virtual y cada vez son más. Hay una universidad en Alemania que es solamente de arte digital, la última exposición de ellos que vi de ellos fue en Frankfurt. Lo que trabajaban era como hacer videogames, pero ese videogame era una obra de arte, tú jugabas equis cosa, pero el que había creado ese videogame lo había creado con la idea de que eso era una obra.
Es un campo muy amplio y creo que cada vez es más fuerte.
Agradecimientos:
Universidad TecMilenio del Sistema Tecnológico de Monterrey Campus Cuautitlán Izcalli.
Lic. Bertha Cárdenas, Directora General
Lic. Eliuth Pineda, Directora de Preparatoria
Galería Garros
Arte y todo en gatos
Comentarios:
Sandra Marti, 2010, jul: Iris maravillosas palabras. Hasta me dió deseos de volver a estudiar arte… sabes eres especial. No claudiques ni un segundo por el camino del sentir-arte, allí verdaderamente vibras. Arte en red, el arte como red, arte en vida o vidarte.
Carlos Generoso, 2010, jul: Iris, recibe un cordial saludo. Me llamó la atención como simplificaste el tema, entre el arte residual, emergente y hegemónico, lo hiciste un tema versátil y luego, como lograste participar en una dinámica colectiva de preguntas y respuestas, pertinente y actual, las preguntas se fueron a tu persona y a partir de ahí sín alardes comentaste parte de lo que he venido siendo testigo en tus correos, te felicito.
Eunice, 2010, jul: Felicidades. Muy profesional como todo lo que haces y lindo look.
Mayra Nuñez, 2010, agosto: Hola Iris, acabo de escuchar la conferencia que diste en el Tec Milenium y realmente me tienes impresionada por tu talento y el acervo de conocimientos con el que cuentas. Insisto en que eres muy joven, quisiera saber como le haces. Te mando un abrazo.
Créditos del Video
Título: Vocación por las Artes Visuales
Video conferencia, educación artística. Iris Atma (Ra’al Ki Victorieux): conferencia y edición. Locación: Universidad TecMilenio del Sistema Tecnológico de Monterrey Campus Cuautitlán Izcalli. Coordinación: Galería Garros. Duración: 48:02 min. México 2010
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Bendiciones de Amor, Gracia y Trascendencia
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Gracias.
Atma Unum 